Kandinsky dijo: «Cualquier creación artística es hija de su tiempo y, la mayoría de las veces, madre de nuestros propios sentimientos». Por tanto, cada movimiento artístico habla y da respuesta a cada periodo histórico en el que se desarrolla.

Para el pintor, el arte nace de la libertad. Cada artista debe encontrar sus herramientas y maneras de expresarse, debe elegir su camino, independientemente de los gustos artísticos de la época en la que se encuentre. Es la manera de avanzar, de crecer. Y, para ello, es fundamental liberarse también de la utilización de la naturaleza como modelo.

Kandinsky comprende que para identificar la realidad no es necesario referenciar sus formas. El arte, asegura, debe ser abstracto por completo. Si se quiere llegar a la esencia, se debe abandonar el modelo.

Sin embargo, algo no puede ser considerado arte si no muestra los sentimientos y la psique del artista que lo ha creado. Kandinsky piensa que la representación del yo interior de cada artista es crucial para lograr la integridad moral. Si una obra no refleja los sentimientos de su creador, no vale nada.

En su libro De lo espiritual en el arte, dice: «El artista debe tener algo que decir porque su deber no es dominar la forma sino adecuarla a su contenido».

Pero ese yo interior debe ser comunicado de forma eficiente, por lo que el arte debe utilizar sus propios medios, que no son otros que el color y la forma. El mensaje llegará adecuadamente al espectador si ambos logran establecer un diálogo entre sí. Debe existir, pues, un equilibrio entre los dos.

En su ensayo «Sobre la cuestión de la forma», incluido en el libro El jinete azul, Kandinsky afirmaba que la forma debe adaptarse al contenido, que no es otro que el mundo interior del artista.

Kandinsky entiende que esos colores y formas son como las notas musicales de una sinfonía. Unas y otros están asociados. Por eso, asociamos las notas más altas con colores como el amarillo, mientras que las más bajas se identifican con el azul. En función de los tonos que el artista use en su obra, estará provocando distintas «vibraciones en el alma».

Igual que la música no está basada en fenómenos de la naturaleza y es capaz de comunicar el mundo interior del artista, la pintura puede expresar también ese yo interior a través de formas y colores en un número infinito de combinaciones.

Un cuadro es, por tanto, como una partitura. Al igual que una composición musical, debe tener ritmo. En su obra Punto y recta sobre plano, profundiza sobre esto. Un artista debería experimentar con la repetición, el orden y la escala no solo con los colores, sino también con el uso de líneas, puntos y otras figuras geométricas.

Todas estas teorías no sirven de nada si no se ejercitan. «El espíritu, como el cuerpo, se fortalece y desarrolla con el ejercicio», decía Kankdinsky en De lo espiritual en el arte. «El cuerpo abandonado se vuelve débil e impotente, y lo mismo le sucede al espíritu. La intuición innata del artista es un talento de su ser que no debe enterrar. El artista que no hace uso de sus dotes no es más que un esclavo perezoso».

Por tanto, era fundamental para el genio ruso experimentar continuamente, porque el arte y el artista están llamados a contribuir al desarrollo y a la sensibilización del ser humano, de su espíritu, ya que ayuda a hacernos más conscientes de lo que nos rodea y de lo que vivimos en nuestro interior.

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«El principal cometido del artista es iluminar el alma humana. Sus pensamientos, sentimientos y actos tienen el poder de afectar a la espiritualidad de la sociedad. El artista está obligado, en su opinión, a crear un impacto positivo en el mundo en el que vive.»

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